Enciclopédia Rock – Volume I – 08 – História da Música nos Estados Unidos Entre 1900 e 1940

Walter Possibom


4.1. NATIVOS AMERICANOS

O pow dos nativos americanos modernos surgiu na virada do século XX. Embora alguns afirmem que o pow wow foi parte integrante das culturas negras por mais de 10 séculos, alguns analistas

modernos acreditam que o pow wow foi inventado para atrair turistas e tinha apenas uma relação tangencial com as tradições nativas americanas genuínas, que geralmente giravam em torno da dança cerimonial música como a Dança dos Fantasmas, Zuni Shalako, Navajo Yeibichai e a Dança do Sol das Planícies. A Igreja Nativa Americana, fundada no início do século 20, foi um centro de desenvolvimento para o gospel dos nativos americanos e a música peiote, uma fusão de gospel e música tradicional em torno de cerimônias nas quais o peiote alucinógeno é tomado como sacramento. No Arizona e no México, waila, ou chicken scratch, music, surgiu como uma fusão da música nativa de Tohono O’odham com a polca alemã e o norteño mexicano-americano.

Jazz, blues, folk, country e gospel, música da região do Caribe também se tornaram populares brevemente durante a primeira metade do século XX. O calipso de Trinidad, o tango argentino e o merengue dominicano e outros estilos influenciaram a música popular americana. A música havaiana (especialmente a guitarra slack-key) teve uma tendência inicial na década de 1910, influenciando o desenvolvimento do gênero da música country (esta é a fonte do som da guitarra de aço que é característico do country moderno).

Os judeus da Europa Oriental contribuíram com a música klezmer para a cultura americana, com as primeiras estrelas, incluindo Harry Kandel, Naftule Brandwein, Dave Tarras e Abe Schwartz. Kandel, um clarinetista, preparou o terreno para o klezmer americano.

4.2. BLUES E GOSPEL

O blues começou nas comunidades rurais, principalmente no sul. Durante a década de 1920, cantoras clássicas de blues como Mamie Smith (“Crazy Blues”) dominaram o som do gênero. Para a maioria dos americanos brancos, essas cantoras foram sua primeira exposição à música negra, ou “música racial”, como era então conhecida. Na década de 1930, os estilos de blues locais se desenvolveram em Memphis, Nova Orleans, na costa do meio do Atlântico, Texas, Kansas City e, o mais importante, Chicago. Um estilo de tocar piano baseado no blues, boogie-woogie foi brevemente popular entre o público mainstream e ouvintes de blues.

No auge da Grande Depressão, a música gospel começou a se tornar popular por pessoas como Thomas A. Dorsey e Mahalia Jackson, que adaptaram hinos cristãos para estruturas de blues e jazz. Em 1925, três estilos principais de gospel se tornaram populares entre o público principal. Pregadores itinerantes como Blind Willie Johnson e Washington Phillips lançaram gravações que agora são itens de colecionador, mas na época eram apenas marginalmente populares. Quartetos Jubileu como o Jubileu Quarteto Norfolk eo Gate Quartet Ouro eram populares e sofisticados, mas a forma de gospel mais bem-sucedida era cantar pregadores como o reverendo JM Gates, que cantava apaixonadamente sobre as terríveis consequências da desobediência às leis de Deus.

4.3. JAZZ

O jazz era mais urbano do que o blues. Baseando-se mais na instrumentação, o som era adequado para ouvintes não familiarizados com as convenções do gênero. Inspirou-se principalmente no blues de Nova Orleans, mas também incorporou influências de músicos e compositores judeus- americanos como Benny Goodman e George Gershwin. Na década de 1920, os bares de jazz tornaram-se populares entre os americanos brancos, especialmente os jovens. Tal como aconteceu com o ragtime antes, e com a maioria dos gêneros importantes desde então, o jazz foi responsabilizado pela degeneração moral da juventude que visitava esses bares e ouvia a música. Apesar da polêmica, o jazz emergiu como o som dominante do país no final dos anos 1920 em formas popularizadas que alguns chamavam de diluídas, como o swing e big band. Embora esses, como o jazz propriamente dito, fossem responsabilizados pelo crime e pela delinquência, eles haviam se tornado o mainstream na década de 1930. Na década de 1940, o jazz puro começou a se tornar mais popular, junto com o blues, com artistas como Ella Fitzgerald (“A-Tisket, A- Tasket”) e Billie Holiday (” Strange Fruit “) tornando-se nacionalmente bem-sucedidos.

O jazz de Nova Orleans foi e continua sendo a forma mais influente de jazz de raiz. Os principais pilares do estilo já existiam por volta de 1900 ou um pouco antes, quando New Orleans, Louisiana, produziu músicos como Buddy Bolden, Jelly Roll Morton e Kid Ory.

A característica mais marcante do jazz de Nova Orleans é a influência das bandas de música em marcha. As primeiras gravações do gênero foram da Original Dixieland Jass Band de 1917. A década de 1920 viu líderes de trompete e corneta como Louis Armstrong e Joe “King” Oliver, tocando com a trombeta proclamando a melodia e harmonias e contracorrentes provenientes do clarinete ou trombone. A seção rítmica normalmente incluía uma tuba ou baixo, piano, banjo ou bateria. Durante este período, os conjuntos eram padrão, em contraste com muitos dos desenvolvimentos posteriores no jazz. Na década de 1930, no entanto, novas formas de pop-jazz como a música swing e Dixieland haviam ultrapassado o autêntico jazz no estilo de Nova Orleans entre o público mainstream.

Dixieland jazz é uma forma de jazz que surgiu na década de 1920 em Chicago. Os músicos estavam tentando reviver o jazz clássico autêntico de Nova Orleans. Na década de 1940, músicos de revival de Dixieland como Jimmy McPartland, Eddie Condon e Bud Freeman tornaram-se conhecidos e estabeleceram seu próprio estilo único. Mais caracteristicamente, os jogadores entraram em solos contra riffs de outras trompas, e foram seguidos por um encerramento com o baterista tocando uma etiqueta de quatro compassos que foi então respondida pelo resto da banda. Em 1917, a Original Dixieland Jazz Band lançou ” Livery Stable Blues “, que costuma ser considerada a primeira gravação de jazz. O gênero certamente existia antes de 1917, mas as oportunidades de gravação eram sombrias. Buddy Bolden, um cornetista de Nova Orleans, nunca gravou sua influente versão do jazz. O início dos anos 1920 viu as gravações de Kid Ory, King Oliver, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton e Bessie Smith. King Oliver incluiu um jovem cornetista chamado Louis Armstrong em seus registros como o segundo trompetista Armstrong logo se mudou para Chicago, trabalhou com Fletcher Henderson, Bessie Smith eClarence Williams e eventualmente começou a trabalhar como líder de banda em 1925, seu trabalho preparando o

terreno para o desenvolvimento do swing e as variações de jazz que viriam depois. O jazz tinha acabado de atingir seu primeiro pico de popularidade mainstream em 1924, com as gravações de Paul Whiteman.

Junto com a Grande Depressão, muitos músicos de estados rurais pobres do Sul, como Louisiana, mudaram-se para o norte, especialmente Nova York e Chicago. Louis Armstrong estava entre eles, e ajudou a tornar Chicago o centro de inovação musical no país antes de passar para Nova York, onde clubes como Cotton Club, Village Vanguard e Minton’s estavam florescendo.

Os meados da década de 1930 foram o auge do swing das big band, com artistas como Charlie Barnet, Chick Webb e Benny Goodman ascendendo ao posto de líderes de bandas estimadas. Os solistas apareceram durante este período, inspirando reações histéricas entre os fãs.

Ella Fitzgerald

4.4. SWING

Swing era uma forma de jazz com orientação pop, cujas origens podem ser encontradas já em 1923, quando Fletcher Henderson começou a expandir bandas de jazz. Novas seções inteiras foram adicionadas e Henderson criou música de maior alcance e textura. O mesmo período viu Duke Ellington expandindo de forma semelhante suas bandas de jazz relativamente pequenas, e ambos os grupos haviam feito gravações já em 1931.

Jead Goldkette e Ben Pollack também foram os primeiros músicos de swing afro-americanos e foram seguidos por um swing ainda mais voltado para a dança bandas lideradas por Jimmie Lunceford, Earl Hines, Don Redman, Count Basie, Glen Gray, Dorsey Brothers, Bob Crosby, Luis Russell, Andy Kirk, Glenn Miller e Benny Carter.

4.5. MÚSICA CAJUN E CREOLA

A música cajun moderna começou a se desenvolver na década de 1920, com base nos violinistas tradicionais e nos acordeonistas mais modernos. Joe e Cléoma Falcon fizeram a primeira gravação, “Allons à Lafayette”, em 1928. A canção foi um hit regional que abriu caminho para o irmão de Cleoma, ” Jolie Blonde ” de Amédée Breaux, hoje frequentemente considerado o hino nacional Cajun. Amédé Ardoin, um homem negro, logo se tornou a estrela Cajun mais popular, entretanto. A população crioula da Louisiana, composta de herança mista africana, francesa e anglo-saxã, desenvolveu uma forma de dance music conhecida como la la. Canray Fontenot foi talvez o mais influente la performer.
Na década de 1930, foi descoberto petróleo na Louisiana e os Anglos chegaram em massa ao estado. A cultura Cajun foi denegrida e restrita, e a música dos velhos tempos e o swing ocidental tornaram-se as principais influências na música Cajun. Luderin Darbone ‘s A Hackleberry

Ramblers e Harry Choates foram a vanguarda desta nova onda de música Cajun, que incorporou letras em inglês e um estilo suave. Na década de 1940, embora um renascimento da música tradicional Cajun tivesse começado, liderado por Iry LeJeune, cujo 1948 “La valse du pont d’amour” é considerado um divisor de águas no campo.

4.6. COUNTRY MUSIC

A música country evoluiu mais ou menos nas mesmas linhas do folk, mas alcançou muito mais sucesso mainstream. Jug bands e outras influências (incluindo violão havaiano, folk e country blues) se fundiram na década de 1930, no desenvolvimento do honky tonk, uma forma rude de música country.
No início do século, os brancos rurais dos Apalaches eram conhecidos como caipiras, e sua música logo passou a ser chamada de música caipira. Igrejas protestantes como Old Regular Baptists e Holiness Pentecostal usavam música em seus cultos, e esta foi uma das maiores influências na música caipira.

A música caipira não foi amplamente gravada até a década de 1920. Bristol, uma cidade na fronteira da Virgínia e do Tennessee, foi o local de uma sessão de gravação de duas semanas em 1927 que levou à descoberta dos dois maiores nomes da música caipira: The Carters e Jimmie Rodgers. Os Carters eram um trio que tocava harpa automática e guitarra, com vocais e harmonias claras e fortes, enquanto Rodgers cantava uma música mais mundana, influenciada pelo blues, que foi chamada de country blues. Rodgers vendeu milhões de discos na década de 1930.

Durante esse período, a música caipira se tornou um grande negócio e os músicos começaram a endossar produtos e também a adicionar novos instrumentos, como violinos, banjos, bandolins e violão de aço havaiano. Alguns outros músicos importantes desta época incluem Gid Tanner & the Skillet Lickers e Charlie Poole & the North Carolina Ramblers.
Na década de 1940, os duetos entre irmãos, nos quais dois irmãos cantavam em harmonia com precisão e clareza, tornaram-se populares e eram conhecidos como harmonia íntima. Os Blue Sky Boys, Del-more Brothers, Monroe Brothers e, especialmente, os Louvin Brothers, foram os pares de duetos de irmãos mais populares.

Jimmie Rodgers

Walter Possibom, São Paulo, SP, é escritor e guitarrista da banda Delta Crucis e Livre Pensador.
Facebook: https://www.facebook.com/wpossibom/

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